你尝试了所有的方法——加强低音，给所有元素应用效果，增加更多部分（或者删除一些内容），甚至做得更响——但就是听起来不对劲。

那么，你还能做什么呢？很可能，你会因为无法达到自己的要求而痛苦不堪。我想，许多制作人都是这样的。

制作音乐常常是一件很孤单的事——你在自己的卧室中作曲，在静谧（或喧闹）中自嗨，睡觉时还念念不忘。而所有这些都表明，你太在意你的音乐了。

你需要冷静下来，用客观的态度去检查你的音乐，才能最终完成——首先需要确保你有一对不错的监听。只有当你能正确听到它们时，才能对混音中全部的动态和频率范围以及各部分的互动性进行评估。

一组好的监听应该有尽可能平滑的频率响应，这样声音才不会遭到染色。举例来说，如果扬声器低音太多，你可能就不会给混音补偿太多低音，拿到其它系统上听就会觉得很弱。

通常，在混音时，不应该使用耳机作为监听，除非你真的知道自己在做什么，或者房间声音太糟糕。你应该尽可能多地去不同的配置上试听你快要完成的混音；听得越多，越能挑出其中的问题。

还要试着问自己想要什么样的声音。在创作时，通过与接近的艺人或风格进行A/B对比，能让你学到很多。

要考虑速度，总体的制作和EQ。是否压缩过度；音轨太长？只有通过与商业作品进行对比，才能评判你是否真正做得够好。

当然，从他人那里获得反馈是一件很重要的事，但得到有价值的反馈是很难的。因为音乐制作是一件很主观的事，每个听众都有自己的喜好。

解决办法就是去倾听那些知道自己在说什么的人的意见！我们的专家提出了十条新晋制作人最容易碰到的问题，一起来看一下吧。

把这些内容熟记于心，你的制作噩梦应该就能被克服。

最常见的一个混音问题就是在音乐的某个平面上出现了太多东西（或者相反，是缺少东西）。试着把音乐想成是三维的，所以首先需要去检查宽度。

优秀的混音会在整个立体声频谱上铺开，就像一张温暖的毛毯一样。不好的混音会将所有东西放在一条窄窄的频谱上，直接轰炸你的耳膜。

牢记，确定你有用到声像工具。将某些部分摆到极端的位置：特殊的效果，打击乐器的嘈杂声和铺垫就可以放在极左或极右的位置；背景人声可以摆得远一些；主人声和贝斯通常摆放在正中。

虽然有这些规则，但不要害怕打破它们。你要确定的是，最终的混音占据了频谱上足够宽的位置，而不只是某一部分。

刚才是宽度，现在要考虑的是深度。混音最糟糕的事就是声音让人听起来觉得是通过罐头发出来的。

这很有可能是因为混音阶段使用了糟糕的监听系统——优秀的监听系统能够让你听到整个混音的频率范围。最简单的法则就是让同一频段的乐器分开，像是对付调皮的孩子那样，不要让它们干扰到其它部分。

你可以从低频部分开始处理。大多数流派的音乐都会有某些形式的低音（比如，摇滚中有贝斯吉他，舞曲中有合成贝斯），所以你要确定你的混音有某种低频元素可以依靠。从那里起，将所有的东西往上摆放，不要在同一频段中出现太多的东西。

计算机让我们的指尖有了空前的音乐能量，但这并不意味着我们需要在每次创作时都用足256轨。实际上，很多优秀音乐的编曲都比较简单，只有一些良好录制的声音和乐器。

比如，60年代PhilSpector“声音之墙”的制作方法——这个名字暗示了，将所有东西堆起来，但其实每一样都经过良好的录制，并且独特而有力。

我们已经指出，混音需要在频率范围和立体声声场上进行良好的延伸。但你还需要将混音弄整洁，简单来说，就是从编曲中去掉一些东西。

很多好听的流行音乐除了人声，吉他外，就没有别的了。很多经典的舞曲也主要由鼓机，贝斯和人声组成。所以，你可以残忍一点——去掉一些声音，让整体的冲击力加强。

有时候，音轨听起来并不对。因为组成部分并没有成为一个整体。这可能是因为你使用了不合适的声音——比如，用合成贝斯取代了真实贝斯，或者使用了时值或音调不正确的采样。

使用太过枯燥的声音预置也会带来麻烦，或者过度或错误地应用了效果，或者录制太过粗糙。不要误解了最后一点，因为粗糙，Lo-Fi的音频可以在适当的内容中听起来很棒。重点就是要给音轨用上合适的声音。

混音在这里也是极其重要的。当然，你想要一些声音能够突出——Hook，主人声等——但如果组成编曲的其它声音没有经过良好的混音，最终就会变得不和谐（比如，小的打击乐Loop占据了高频，极低音贝斯太过轰鸣...还有太多太多的例子了！）。

平常demo最大的问题就是过于普通。它可能缺少某些能够抓住听众耳朵的东西，导致无法脱颖而出。

当越来越多的人发现了在家制作音乐的乐趣后，你就更需要制作一些耐人寻味和有记忆点的Hook了。

好的Hook可以是任何东西——一段贝斯，或旋律，或效果，或人声技巧。的确，你会发现最好的流行歌曲中——比如，想想Kylie的《Can’t Get You Out Of My Head》——是不是具备了以上说的这些方面。

不过，很多时候，只需要一个——惊艳的效果或旋律就会让听众想要反复收听。做到这一点，你就已经成功了一半。

抓取音乐的感觉可能是创作和混音最重要的考虑了。

律动不对会毁掉一首舞曲，甚至对于氛围音乐，这种没有律动的音乐也有自己的感觉。制作音乐的一部分内容就是去捕捉这种感觉，以及加强那些律动。

有一些非常明显：如果你想要制作一个俱乐部音乐，120bpm的曲速和4/4拍的底鼓就是很好的开始。如果你需要一点拖沓的的感觉，就要把它们放慢，并加入摇摆感。

不仅如此，还有无数细微的技巧可以加强你的节奏，让它们跟整个音乐的感觉融合。多学一点，再多用一点。

节拍定义了你的律动，但你应该知道，它们也可能毁掉它。把生硬的4/4拍放入灵魂乐或hiphop音乐中，结果就会相当糟糕。

虽然很多声音和技巧已经经过时间的验证，也正是一些音乐所需要的，但很多制作人不假思索就乱七八糟地应用也是一个很大的问题。用一些老生常谈的方式会让你的音乐变得普通，所以你得有点自己的东西。

这个建议牵扯到如何使用你的DAW。不要胡乱地将东西扔进编曲中，或者把什么东西都进行速度拉伸。

我们会有很多合成器预置——是的，它们可能声音很棒，但如果你仅仅因为它声音非常出色就去使用它，最后可能会立刻被人辨认出来。很多人听到这样的雷同，就会立刻摇头。直接使用这类急功近利的预置在很多时候都不好——虽然预置创造出来就是为了使用——不过，声音越是出色，它的声源也会是，所以至少可以调整一下，变成你自己的。

跑调的人声，破损的旋律和明显的音调修正都是小样中常常让我们恼火的东西。对于这些问题，我们想说：请好好使用你们的耳朵。

第二个明显会让我们烦恼的事情就是嘶嘶声。当模拟遇到数字时，这个问题就变得非常普遍。

如果你在录制人声，吉他或其它现场乐器，采用一些预防措施，来消除外来噪声。

最后，母带削波也会让我们不快，很多人认为越响越好。关于这点我们接着往下看...

我们谈到，宽度和深度是你从三维角度考虑音乐时需要注意的方面，让我们来看看第三个：高度，或用更正确的词语表述，就是动态范围。它是混音中响度最大和最小部分的比例。

过去十年或者更长的日子里，音乐制作的趋势都是通过压缩器和限制器去“挤压”动态范围，将母带做得越来越响——无论是对单独的部分或者说整个混音。最后导致过度压缩的发生。

你应该会有这种感受：你正在iPod中享受一首古典音乐，然后突然随机播放到了近十年的音乐，一下子音量增大，冲击到了你的耳朵。

虽然这些技术会让音乐更加突出和抢眼，但现在太过普遍和极端地应用导致了负面作用。今天，越来越多的运动开始扭转这种趋势，这也是我们支持的观点。

很多制作人会感觉计算机把音乐做得太完美了，我们也觉得他们的看法有道理。今天的音乐技术让制作变得没有变化和感觉。

如果你很善于依靠原始的方式制作音乐，那这一点就不必在意。你的音乐会因为你自然地制作而获益。我知道，你不想要音乐听起来太业余，但有时候，你会需要甚至表现一些不完美的东西。